La vida de Adèle, dirigida por Abdel Kechiche , ganadora de la Palma de Oro de Cannes en 2013 nos relata la historia de la propia Adèle, que comienza a conocerse a sí misma en todos los aspectos posibles, destacando entre estos, el sexo.

Con varios puntos a destacar dentro de la trama, mas allá del mundo gay y de la cultura homosexual, que seguro es muy interesante y atraerá a un público determinado, esta película nos ofrece una visión poco común dentro del cine francés: la mujer ordinaria, simple; tratada desde el respeto y por encima de todo, la belleza. Porque la gente normal también se descubre, también sufre. Y a pesar de la gran cantidad de escenas sexuales muy explicitas, nunca tenemos la sensación de encontrarnos ante una escena de cine porno, al contrario de lo que ocurre en la gran mayoría del cine homosexual. Aquí vemos la diferencia entre tratar algo desde el morbo o desde el respeto, la cual es inmensa.

Sin embargo, dentro del gran interés que puede mostrar la película (más por haber ganado Cannes y por el bombo que se le está dando que por otra cosa, todo sea dicho) lo que debemos destacar, sin lugar a dudas es la fotografía, el azul. Azul por todos lados, en cada plano, en cada rincón, maravillosa y cuidada escenografía, maravillosa composición, maravillosa gama cromática.

Después de haber visto películas como la trilogía Tres colores de Kieślowski me maravilla saber que alguien se ha tomado el tiempo necesario en hacer que un color destaque por encima de los otros ya sea por exigencias del guión o por el goce estético, a diferencia de la trilogía antes nombrada (en Blanco abunda el blanco porque está rodado en un lugar nevado...) aunque mi critica va dirigida a La vida de Adèle y no a las tres restantes.

Cuando sea posible una entrada con un análisis de la fotografía!

“Esta película tiene tres patas” dice la directora catalana (aunque después resulten der cuatro):

“-Es una adaptación libre de la obra teatral Tóxico.

-Está dedicada e inspirada en Jaime y Cristina, los cuales tuvieron una gran pérdida, de la que he sido testigo, de ellos he aprendido una lección de vida y humildad.

-Lo que vivimos cada día, esas noticias horribles en la televisión.

-Candela y Javier me han dado más de lo que podía imaginar.”

Isabel Coixet de forma amable y con un gran sentido del humor, contesta a nuestras preguntas:

WindTheMovieBack: En tus películas normalmente el silencio es más importante que las propias palabras, sin embargo en esta los personajes hablan constantemente, ¿Cómo explica o a qué se debe este cambio?

Isabel Coixet: El silencio existe en la caverna, en esa caverna de Platón y en el pasado: ha habido 5 años de silencio. Creo que en realidad hay bastante silencio, no solo en la película si no en como los personajes no dicen lo que piensa, como cuando ella le está diciendo a Javier lo guapo que está y por dentro piensa: Cobarde.

WTMB: En relación a la pregunta anterior, en esta película hay muchos cambios respecto sus obras anteriores: Siempre ha usado mucho la cámara fija y sin embargo esta película es entera con cámara en mano y movimiento, tampoco hay una banda sonora muy reconocible y ni siquiera aparecen una lavandería.

I.C: No te creas… me rompí la cabeza por poner una lavandería jaja aunque fuese en un flashback o algo así, pero no hubo forma. Aun así no la veo tan diferente, de hecho el título Ayer no termina nunca es reciclado de una obra que nunca llegue a utilizar. Hay muchas cosas que tienen que ver, como el sufrimiento de los personajes o el pasado, no la veo tan diferente jaja.

Análisis:

En esta película podemos ver cambios en el estilo al que Coixet nos tiene acostumbrado, como  la no aparición de una lavandería o la llegada del mensaje a su destinatario (C le envía una carta a J y este la recibe), aunque el más destacado es la ausencia del silencio ya que los personajes hablan constantemente, manteniendo un diálogo que es cimiento de la película, sin embargo podemos interpretar estos “silencios” en aquellos momentos donde la imagen se vuelve monocromática y los personajes hablan a cámara, diciendo lo que realmente piensan y lo que les gustaría decir.

Es tan poco perceptible este  silencio que incluso llegan a tener confusiones por el lenguaje, teniendo que aclarar Javier que “lo decía en el sentido espiritual” o Candela “No te necesito, lo digo en el sentido positivo.”

Además podemos hablar del tipo de metáfora al que la directora nos tiene acostumbrados, que en este film queda más claro y posee mayor importancia. Siendo ejemplo de esto el momento en el que la actriz dice “como arrojados por el mar” y acto seguido escuchamos el sonido del mar mientras vemos a los dos protagonistas tumbados sobre una roca en el lugar donde transcurre la película.

En cuanto a la fotografía debemos felicitar el excelente trabajo que Jordi Azategui (su primera vez colaboración cinematografica) ha llevado a cabo, teniendo en cuenta a los personajes, los tiempos y el modo de contar la historia.

Una genial sutileza con elementos visuales como la huella que dejan las letras arrancadas de un rótulo, o leer la palabra WONDERLAND mientras escuchamos noticias terribles, en la primera parte de la película.

Debemos hacer una mención especial al color: la gran mayoría de la película tiene una dominante cyan que en ocasiones se ve interrumpida por fragmentos en blanco y negro y rara vez por alguna escena completamente naranja (complementario del cyan) .

En definitiva una nueva y buena película que aunque con sorpresas y nuevos modos de visión, mantiene un diálogo literario y poético, al que Isabel Coixet nos tiene acostumbrados. Hablando de la superación de problemas, del final de una etapa y de un reencuentro. Un final agridulce con un mensaje claro que invita a la vida.

Lo más interesante de este director es su modo de relacionar los personajes con el entorno e incluso ente ellos, normalmente a través del color en la ropa, los decorados etc. Siempre con un toque de humor y cinismo infantil, Anderson mezcla el mundo de los adultos con el de los niños, consiguiendo una atmósfera mágica y realista al mismo tiempo.

Para analizar la fotografía, dirigida en sus películas por Robert D. Yeoman, primero deberíamos nombrar los planos cenitales, que aparecen con cierta facilidad, convirtiéndose en algo muy característico de sus films.

Esta visión orientada de arriba abajo ofrece un punto de vista poco usado en el mundo del cine para planos medios o primeros planos, dando así mayor seña de identidad a sus historias.

Wesley Mortimer Wales (born May 1, 1969) best known as Wes Anderson is an American film director, screenwriter, actor, producer of features, short films and commercials.

The most interesting thing about this director is his way of relating the characters to the environment and even among them, normally through color in clothing, decorations etc. Always with a touch of humor and a childish cynicism, Anderson mixes adult with children´s world, achieving a magic and realistic atmosphere at the same time.

To analyse photography, directed in his films by Robert D. Yeoman, we should first appoint overhead shots appearing quite easily, becoming something very characteristic of his films.

This oriented vision above below offers a point of view that is not common in the film’s world for medium shots or close-up, giving hallmark to his stories.

Rushmore (Academia Rushmore)

The Royal Tenembauns (Spam)

Moonrise Kingdom

Incluso podemos hacer mención a detalles en la ropa de la madre (mujer del fondo a la izquierda, en el agua) que lleva una chaqueta del mismo color que el maletín (esquina inferior izquierda, apoyado en la maleta amarilla) consiguiendo así que todo elemento sea imprescindible.

Just as in the image above, yellow and earth colors are the dominant ones in the scene. Thus, it is composed by color and not by the mass, linking each element together, achieving the sought-after balance in his films.

We can even mention the details in the mother’s clothing (woman of the background on the left, in the water) carrying a jacket of the same color as the Briefcase (corner bottom left, supported in the yellow suitcase) thus ensuring that every element is essential.

COMPLEMENTARIOS COMPLMENTARIES

The royal Tenembauns

Aunque Henry lleva durante todas la película diferentes pajaritas, es en la escena de la cocina cuando se viste con la amarilla que hace juego con el resto de la habitación, compuesta por colores mostaza. Además de esto, aparece vistiendo una chaqueta color azul marino, complementario de los tonos mostaza.

Although Henry has been wearing different bow ties during the whole film, is at the scene of the kitchen when he wears the yellow one which matches the rest of the room, composed of colors mustard. In addition, he appears wearing a dark blue jacket, mustard tones complementary.

Moonrise Kingdom

That's all hope you liked it!